per i musicisti liguri vedi pagina specifica
Si chiama Vinicius CANTUARIA il nuovo astro della musica brasiliana e sarà ospite della grandiosa rassegna di Euromeet Jazz Festival sabato 13 luglio alla Fornace dei Serciari di Fontaniva (Pd). Un astro non più giovanissimo che deve il suo meritatissimo successo internazionale al lavoro di Arto Lindsay, il genio che gli ha arredato le sonorità dei suoi due ultimi album, “Sol ne cara” e “Tucumà”. Acclamato nel suo paese come la quintessenza dei musicisti, Vinicius Cantuaria si è conquistato il prestigioso posto che oggi occupa nel panorama artistico brasiliano vestendo i panni del cantante, del chitarrista e del percussionista, nonché firmando numerosi brani di successo per Caetano Veloso, Gal Costa, Gilberto Gil. E’ infatti alla sua penna che Veloso deve il suo milione di copie di “Lula e Estrela”, oggi scolpita nei cuori di tutti coloro che amano la musica brasiliana. Con Tucumà, che rappresenta il suo album di debutto con la Verve Records, Vinicius Cantuaria propone un nuovo ed entusiasmante genere musicale che supera la bossa nova e che, pur restando fedele alle tradizioni brasiliane di ritmo e melodia , introduce elementi d'avanguardia di campionamento, minimalismo ambient, fiati jazz e arrangiamenti d'archi. Al suo arsenale di strumenti a percussione l'eclettico Cantuaria aggiunge pianoforte, tastiere ed un flauto di legno indiano. L'artista, che attualmente vive a New York, è accompagnato in questa nuova esperienza da un gruppo di stelle altrettanto eclettiche e luminose che, con lui, dividono il concetto di avventura musicale e fra i quali spiccano i nomi di Bill Frisell , Sean Lennon, Laurie Anderson , Arto Lindsay, Joey Baron, Nana Vasconcelos ... Vinicius Cantuaria cita spesso Antonio Carlo Jobim , primo compositore di bossa nova brasiliana quale principale fonte d'ispirazione. Ma Vinicio mette mano alla sua bossa nova con una generazione di distanza e con il piglio dell'innovatore. Come molti adolescenti brasiliani, Cantuaria è cresciuto ascoltando rock'n'roll americano e molta musica del suo paese. A diciotto anni suona nei Terco, formazione influenzata dai Byrds e da Crosby, Stills & Nash. Ma quando il gruppo cambia rotta verso suoni più pesanti, Cantuaria preferisce staccarsene e unirsi all'allora nascente movimento pop brasiliano, influenzato dalla tropicalia di Gal Costa, Caetano Veloso e Gilberto Gil. Più giovane degli altri, il musicista apporta energie ed idee innovative, componendo melodie popolari per i suoi compatrioti. Costantemente alla ricerca di spunti innovatovi, Cantuaria punta invariabilmente lo sguardo verso nuovi orizzonti. Poco dopo essersi trasferito a New York registra il suo disco di debutto negli Usa per l'etichetta Gramavision, Sol Na Cara, coprodotto da un altro esponente dell'avanguardia musicale, Arto Lindsay. Oltre che con Lindsay, a New York ha collaborato con Dj Spooky, Ryuichi Sakamoto Sean Lennon, Michael Leohnart e Nana Vasconcelos. Fortemente radicato nella tradizione della bossa nova, Tucuma è l'espressione più ambiziosa e definitiva della sua musica. Autore di nove delle undici canzoni dell'abum (di cui due scritte con Arto Lindsay e una con Caetano Veoloso), le sue creative interazioni con i brillanti collaboratori fanno di Tucumà un album assolutamente pionieristico, allo stesso tempo molto newyorkese e molto brasiliano. Intitolato ad un frutto tropicale originario del Brasile, Tucumà è un ibrido sofisticato e accattivante, molto succoso e profumato, ma miracolosamente metropolitano. Al concerto è organizzato da Vento Jazz in collaborazione con l’Assessorato alla Cultura del Comune di Fontaniva. Inizio concerto ore 21.30. Ingresso 5 euro. Formazione: Vinicius Cantuaria (chitarra, voce); Paolo Braga (batteria); Michael Leanhardt (tromba), Itaiguara Brandao (basso).
CARAVAN La storia dei Caravan ha inizio nel gennaio del 1968 quando Pye Hastings (chitarra e voce), Richard Sinclair (basso e voce), David Sinclair (tastiere) e Richard Coughlan (batteria) si uniscono per dar vita ad una nuova band, dopo aver militato in varie formazioni nell’area di Canterbury, quali Wilde Flowers, Delivery e DC & the Miller Brothers. Il debutto avviene al Beehive Club di Canterbury nell’aprile di quello stesso anno. Tra il 1968 ed il 1971 i Caravan pubblicano alcuni dei loro lavori migliori: l’omonimo primo album, “If I Could Do It All Over Again, I’d Do It All Over You” (1970) e “In The Land Of Grey And Pink” (1971) nel quale la formazione viene allargata con l’inserimento di Jimmy Hastings al flauto e sax. Sono LP in cui il rock progressive, allora in voga, viene sapientemente miscelato con il jazz, le composizioni sono delle vere e proprie suite e creano suggestioni particolari. Il movimento a cui i Caravan appartengono verrà definito ‘Rock di Canterbury’. Nel 1971 il tastierista David Sinclair abbandona il gruppo per unirsi ai Matching Mole di Robert Wyatt e viene sostituito da Steve Miller (ex Delivery). La nuova incarnazione della band tenterà nuove soluzioni portando in primo piano le chitarre di Pye Hastings. Vengono pubblicati “Waterloo Lily” (1972), “For Girls Who Grow Plump In The Night” (1973), album che segna l’ingresso nella band di Geoff Richardson alla viola, John G Perry, voce e basso e Rupert Hine ai sintetizzatori . Nel 1974 David Sinclair torna a far parte del gruppo e la band produce “Caravan & The New Symphonia” (1974) disco dal vivo con l’orchestra e, sempre nello stesso anno, “Cunning Stunts”. Nel 1976 con una line-up assai diversa da quella degli esordi viene immesso sul mercato “Blind Dog At St. Dunstans”, della formazione originaria restano i soli Richard Coughlan e Pye Hastings ai quali si aggiungono Mike Wedgwood al basso e Jan Schellas alle tastiere; completa l’organico Geoff Richardson, polistrumentista già da tre anni con i Caravan. Nel 1977, dopo l’uscita di “Better By Far” e dell’antologia “Canterbury Tales – The Best Of Caravan” la formazione di Canterbury si scioglie per poi tornare tre anni dopo con “The Album” (1980). Nel 1982 viene realizzato “Back To Front”, album per il quale si ricostituisce l’organico originario. Gli anni ’80 e ’90 vedono il gruppo tornare sul mercato con antologie, dischi dal vivo, rielaborazioni in chiave acustica di vecchie composizioni e session per la BBC. La band è comunque rimasta attiva continuando a proporre dal vivo il proprio repertorio pubblicando, inoltre, tre lavori inediti: “The Battle Of Hastings” (1995), “All Over You” (1996) e “All Over You Too” (1999). L’attuale line-up dei Caravan vede accanto a Pye Hastings, Dave Sinclair, Richard Coughlan e Geoffrey Richardson il bassista Jim Leverton, e Doug Boyle come chitarrista aggiunto. (Marco Leodori).
THE COMMITMENTS: 1991 Following the release of "The Commitments" the stars from the film spent some time promoting the project after which they all went their own separate ways. 1993 The stars from The Commitments was formed by Dick Massey (Billy 'The Animal' Mooney), Kenneth McCluskey (Derek 'Meat Man' Scully), Dave Finnegan (Mickah Wallace) and on special occasions: Robert Arkins (Jimmy Rabbitte), Johnny Murphy (Joey 'the lips' Fagan), Michael Aherne (Steven 'Soul Surgeon' Clifford). The band concentrates on the UK market, with three sell-out tours and a trip to the Gulf. 1994. They played extensively through out Europe: Following shows in Luxembourg newspaper headlines reported that "Not since the end of the 2nd World War had such huge crowds been seen on the streets of Luxembourg". 1995 They went to the USA and played over 120 shows. They also broke the Canadian market by storm. In Toronto they played the RPM club and sold it out for three nights running. This equaled the ticket sales that The Rolling Stones achieved at the same venue on The Voodoo lounge Tour. The Commitments first album appeared back in the Canadian charts. 1996 They continued breaking ground in the USA. The band played Dan Ackroyd's House of Blues in Los Angeles to a capacity crowd of 1,800 people. This show was recorded for radio and then licensed to over 400 stations in the USA, Japan and Europe. Afterwards Dan Ackroyd was heard saying "The stars from The Commitments show was the best soul review he had ever seen or heard". June saw the band debut in South America at the Nescafe & Blues Festival where once again The stars from The Commitments shows were total sell-outs, outselling even Wilson Pickett. The stars from The Commitments returned to Brazil for a 9-date tour in December. The last show was a very memorable one, co-starring with the legendary BB King at the Party in the Park in Sao Paulo. Over 100,000 people attended this concert 1997 they returned to the USA, playing the West Coast Ski resorts. Then in February they toured the UK. It was on this tour that The stars from The Commitments recorded their debut album. Inviting such guests as Sam Moore (Sam & Dave), Steve Cropper (Blues Brothers), Clarence Clemons (E-Street Band), Denis Edwards (The Temptations) and Sandy McDonald (Sandy Mac & the Heart Attacks) to join them for a live recording at 'The Empire' Theater in London. 1998 saw the band re-concentrate on their European markets playing shows and festivals all over Europe. They opened up a previously unexplored market in France. In a period of 16 months they played a staggering 156 shows to over 500,000 French fans. 1999 They continued to work in Europe playing many festivals alongside artists such as Little Milton, Buddy Miles, Wilson Pickett, James Brown and B.B. King. In October they returned from Oman where they attracted a record crowd of 3000 fans to their show. November and December where spent in the UK with a cracking 24 dates. 2000 South Africa was their first stop in the year. Already the wheels are in motion for a return trip to Sun City. Then in February they were in Spain and on to the UK for three shows and a live TV appearance on YTV. The stars from The Commitments completed the year on an extensive tour of the UK, whilst future plans for an exciting new venture, a second Commitments movie, were being discussed. During 2000, The stars from The Commitments continued their quest to inspire audiences world wide with their brand of Sweet Soul Music. 2001 This year saw The star from The Commitments return to the USA. Communications boss Geoff Pulver, of pulver.com, brought the band out to Dan Akroyd's famous House Of Blues venues, in both Chicago and LA in March. In July the band visited Canada again and performed at Oakes Garden Theatre in Niagara and a street festival in Manitoba for Winnipeg's Mayors office. In the following months the band will be performing at a multitude of UK and European festivals, corporate events and parties leading up to their Autumn tour.
Per descrivere i COUSTEAU, diversi paragoni si sono sprecati, scomodando luminari del pop come Burt Bacharach, David Bowie, Nick Cave, Scott Walzer, i Tindersticks e addirittura i Bee Gees (non certo per la voce!): facile capire che tutto-e-il-contrario-di-tutto finiscono per annullare tutto quanto, e che cercare di definire con precisione a cosa somiglia lo strano oggetto Cousteau significa giungere alla seguente conclusione: i Cousteau assomigliano molto ai Cousteau. Se la voce ricorda i grandi cavernosi come Walzer, Cave e Bowie e le canzoni sanno di sempreverde come quelle di Bacharach allora non è vero che si parla di compagni di viaggio importanti. Probabilmente, è proprio una nuova era per la musica popolare. Davey Ray Moor, compositore e leader della band è nato a Beirut da dove si è trasferito poi a Canberra in Australia prima di approdare a Londra. Qui ha scritto molte colonne sonore insieme al chitarrista Robin Brown con cui ha poi fondato i Cousteau, dal nome del grande documentarista del mondo subacqueo Jacques Cousteau di cui David Lee è profondo conoscitore ed estimatore. Il loro album d’esordio omonimo riceve entusiastici consensi da tutta la stampa specializzata musicale europea e porta la band ad essere una delle rivelazioni dell’anno. La line up dei Cousteau è rimasta sempre la stessa fin dalla loro nascita: Liam McKahey – voce, Davey Ray Moor – voce/piano/chitarra acustica/fiati, Robin Brown – chitarre elettriche/voci, Joe Peet – basso/violino/voci, Craig Vear – batteria/basso/percussioni.
IRIO DE PAULA Chitarra, voce Brasiliano, carioca di Rio de Janeiro, e' uno dei maestri di raro, personale talento presenti sulla scena musicale odierna. Maestro di uno stile personalissimo ed invidiabile, in cui l’agilita' manuale e' al servizio dell’estro interpretativo e dell’estrema impulsivita' e spontaneita' del tocco. Definito dalla critica il piu' affascinante dei chitarristi brasiliani, nella sua lunga carriera, (a soli sei anni gia' suonava alla radio di Rio in una band con i fratelli) ha suonato con i migliori musicisti del suo paese quali Paulo Moura, Baden Powell, Rau-zinho, Dijalma Ferreira, Eumir Deodato, Juarez e tanti altri ancora da Astrud Gilberto a Chico Buarque. Ha effettuato numerose registrazioni, piu' di cinquanta tra Cd e Lp propri e con Sal Nistico, Steve Grossman, Dannie Richmond, Archie Shepp, Don Pullen, e tanti altri ancora. Tutta la sua musica (stile strumentale, composizione, senso del ritmo) proviene dalle piu' pure ed autentiche origini brasiliane e si colloca a pieno titolo nell'eredita' culturale brasiliana allo stesso modo in cui il jazz, le cui radici sono le stesse, si colloca nell'eredita' culturale afro-americana.
ECHO & THE BUNNYMEN Nel gennaio del 2001 Will Sergeant e Ian McCulloch, fondatori e forza motrice dietro Echo & The Bunnymen dal 1978, erano a The Dairy, uno studio a South London per completare i missaggi di Flowers il loro ottavo album. I due lavoravano a stretto contatto divertendosi molto e rivivevano l’atmosfera dei tempi di gloria del 1984 quando hanno scritto e realizzato il classico Ocean Rain. Per il nuovo disco Ian e Will hanno lavorato insieme per dieci giorni per scrivere le canzoni per poi registrarle nella loro città, Liverpool. Assieme a loro c’erano tre musicisti locali: Alex Gleave (basso), Vinny Jamieson (batteria) e Ceri James (tastiere). Il primo frutto di quest’ultima avventura dei Bunnymen è stato il singolo “It’s Alright” pubblicato in aprile seguito dalla pubblicazione dell’album Flowers in maggio su Cooking Vinyl. Il secondo singolo “Make Me Shine” è stato pubblicato in agosto 2001. L’album ha ottenuto alcune tra le migliori recensioni della loro carriera, con il Times che affermava essere il miglior disco dal loro ritorno sulle scene nel 1997 e l’Independent che addirittura lo considera il loro più bel disco di sempre. Flowers è un disco in cui il sound alla Bunnymen è subito evidente, con evidenti riferimenti al loro incredibile album di debutto del 1980, Crocodiles, con le sue chitarre taglienti, i flash psichedelici, motivi orecchiabili e una buona dose di follia marcata Will Sergeant. Il tutto supportato da potenti linee di basso e batteria e sovrastato dallo stile molto personale della voce di Ian McCulloch. Echo & The Bunnymen hanno anche pubblicato una retrospettiva in un box di quattro cd nel 2001, intitolata Crystal Days – 1979 – 1999, con ben 72 brani tra rarità, brani live, inediti, a partire dalla versione originale di “Monkeys” fino a brani da What Are You Going To Do With Your Life del 1999. La band è stata a lungo in tournèe nel 2001, iniziando con un tour da tutto esaurito in maggio in Inghilterra per poi proseguire in Scandinavia agli inizi di giugno. I Bunnymen hanno fatto un tour da tutto esaurito in luglio in USA e Canada prima di andare in Giappone per partecipare al Fuji Rock Festival e terminare con sei show in Australia, le prime date lì dopo quasi venti anni. Il 17 e 18 agosto i Bunnymen hanno fatto due grandi show nella loro città natale, Liverpool, al Liverpool Institute of Performing Arts (LIPA) di Paul McCartney. Gli show sono stati registrati per il primo live ufficiale dei Bunnymen e per un DVD, che usciranno il 4 febbraio 2002 per la Cooking Vinyl. Tra i 17 brani ci sono dei classici quali ‘Rescue’ ‘Never Stop’, ‘Killing Moon’, ‘The Cutter’ e ‘Nothing Lasts Forever’. La band tornerà in Brasile, dove già è stata a fine settembre, alla fine di febbraio 2002. A metà ottobre la band ha suonato in Europa, in particolare in Spagna, Germania, Olanda e Francia prima di tornare negli USA per un tour assieme ai Psychedelic Furs. Il line-up del tour è: Ian McCulloch, Will Sergeant, Pete Wilkinson (basso), Vinny Jamieson (batteria), Ceri James (tastiere), Ged Malley (chitarra). Infotour - 0547 600093
FEEL
GOOD PRODUCTIONS La piu’ gettonata sigla delle Iene e’
solo la punta dell’iceberg dell’esplosiva compilation
"Funkadelica" che ci trasporta nelle piu’ recenti
tendenze londinesi. Dj set + Mc www.labaraonda.it
La prima cosa da dire su "Funkdelica"
è: finalmente. Finalmente una raccolta che si occupa di una
musica ormai strapopolare in Gran Bretagna e sulla cresta dell'onda
in Italia. Stiamo parlando di una delle tendenze più
interessanti della scena musicale inglese, il filone trip hop - drum
'n' bass ispirato dai suoni e dalla cultura asiatica, portato alla
ribalta all'inizio degli anni '90 da gruppi come Transglobal
Underground, Asian Dub Foundation e Fun-da-men-tal. La consacrazione
della nuova scena musicale si è però avuta quando, nel
maggio 1996, il Blue Note Club di Londra ha inaugurato le sue serate
intitolate "Anokha - Soundz of the Asian Underground", con
artisti e DJ's come Talvin Singh, Equal I, State of Bengal, Nelson
Dilation e Osmani Sound, fortemente influenzati da sonorità
legate alla musica tradizionale asiatica. Da quel momento la musica
angloasiatica di seconda generazione ha iniziato ad affermarsi e a
diffondersi capillarmente in tutta Europa, creando ben presto una
mappa geografica eterogenea e uniforme. La scena - se non la
conoscete - è quella dei grandi locali internazionali come il
Blue Note (Londra), Sitar Funk (Londra), Stoned Asia (Londra), Kaffee
Mokka (Thun), Paradiso (Amsterdam), Paard Club (L'Aia), A Zene Unnepe
(Budapest)., Down Town Tempo ( Berna), C.SO.A. Il Molino (lugano),
KAB Usine (Genève) etc..., un circuito che in Italia può
appoggiarsi sulle serate organizzate da diversi locali e centri
sociali: Link (Bologna), C.S.O.A. PergolaTribe (Milano), C.S.O.A.
Gabrio (Torino), C.S.O.A. Cox 18 (Milano), Rototom (Pordenone), Radio
Città Futura (Roma), Capolinea Disko (Cuneo), Xplosiva Red
Docks (Torino), Jungle (Grosseto), Agatha - Brancaleone (Roma),
Velvet (Rimini), Hot 4 Tandoori -ex Magazzini (Roma). Adesso un
piccolo salto indietro. 1996, Piemonte, anzi, provincia di
Cuneo.Immaginate una cascina adagiata sulle colline di Alba. Due
ragazzi sono appena tornati dall'Inghilterra con la testa e il cuore
carichi di musica, troppo bella e troppo nuova per poter essere
rintracciata in Italia. Allora cosa fanno? Decidono di ribattezzarsi
Feel Good Productions, aprono le porte della loro cascina agli amici
e iniziano a organizzare serate in cui proporre la musica che li ha
stregati - dal rare groove al funk, dalla breakbeat al drum'n'bass -
accompagnata da proiezioni psichedeliche. Alle serate in cascina, il
cui successo è sempre crescente, vengono invitati DJ inglesi,
tra cui J. Syndicate di Shakedown Sounds, che colpisce Feel Good
Productions con le sue contaminazioni etniche a tutto tondo. E' da
questa illuminazione che nel 1997 debutta la serata "Funkadelica",
maggiormente incentrata proprio sull'incrocio tra le sonorità
elettroniche suburbane e la musica tradizionale, soprattutto di
estrazione asiatica e araba, che sta facendo furore a Londra. In
breve tempo "Funkadelica" ospita personaggi di culto della
scena inglese(David Hewitt, Nelson Dilation, DJ Pathaan, MIlky Bar
Kid), appartenenti a quel soundsystem che risponde al nome di Asian
Underground Collective la cui attuale formazione è composta
oltre che da Feel Good Productions, da DJ Badmarsh (Outcaste Rec.),
MC Daddy E (Earthtribe) e dalla danzatrice ufficiale di Anokha
Solange Raulstone. FUNKADELICA - Dancing to a different drum è
la compilation che mette insieme il meglio di quanto proposto in
questi anni dagli artisti coinvolti nel progetto Asian Underground
Collective e impegnati nelle serate a tema che danno il titolo a
questa splendida antologia. Dalle colline delle Langhe al cuore della
Londra che batte asiatico, via in giro per l'Europa, FUNKADELICA
racconta una realtà musicale assolutamente importante, fatta
di serate nei principali locali italiani, di una scena che può
contare ormai su un numero sorprendente di appassionati e su una
delle esperienze di contaminazioni musicali più affascinanti
tra quelle prodotte e proposte in questi ultimi anni. Londra parla
asiatico ormai da tempo, ma è splendido sentire, nel corso di
serate come FUNKADELICA o equivalenti in altri locali italiani -
ricordiamo Hot 4 Tandoori a Roma -, la stessa incredibile energia che
si sprigiona al suono di tablas, sitar, campionamenti e batterie
elettroniche. FUNKADELICA coinvolge nel suo progetto più di
una decina di proposte diverse, da Feel Good Productions a Bollywood
Brass Band, da Nelson Dilation a Toucan Zabir e Momo Digital Garab: è
una vetrina di artisti e al tempo stesso una vetrina musicale, nella
quale potrete ritrovare il segreto del grande fascino esercitato da
queste contaminazioni e miscele in tutta Europa. Il battito di un
tamburo diverso, al suono del quale ballare oltre qualsiasi confine
di genere e di stile. (Marzo 2002)
MARY GAUTHIER Drag Queens in Limousines Mary Gauthier arriva dalla Lousiana, fa la musicista per vocazione e la ristoratrice per lavoro, ha 38 anni e vive a Boston e vive a Boston e, se proprio volete trovare una che gli assomiglia, la si può paragonare a Lucinda Williams. C’è una canzone in questo disco, I Drink, che racconta la vita di Mary : First swim, birds fly, Daddies yell, Mamas Cry, Old Men Sit and Think, I drink. Cioè la disperazione e la solitudine, la mediocrità e la marginalità della vita dei piccoli borghi di provincia del Sud, dove ci sono solo bar, magari una sala da ballo, una via in centro al paese e niente altro. Ha lasciato casa a 15 anni(Thibodax, Luisiana) rubando la macchina di papà, è finita in cella a Kansas City a 18 anni, poi ha peregrinato per gli Usa prima di finire a Boston, dove ha aperto il suo ristorante, Dixie Kitchen a Back Bay, che poi ha lasciato per diventare musicista. Ma Mary è una cantautrice coi controcoglioni e questo suo album, il secondo, è degno di grande attenzione Ha esordito alla fine del ’97 con Dixie Kitchen ed ha cominciato velocemente a farsi un mone e solo due anni dopo, ha edito,sempre in via privata, questo lavoro che ora ha trovato persino una distribuzione europea. Mary incarna la tipologia del Sud, è lenta nella dicotomia, pigra nel cantare e la sua musica ha il sapore dei luoghi da cui proviene ma, rispetto alla Williams, ha anche un tocco cajun. Infatti la sua musica mischia Hank Williams con i Balfa Brothers, John Prine con Merle Haggard, Johnny Cash con Nathan Abshire, non dimentica le sue origini e ci mette una solida dose di humor e di sarcasmo e, non ultimo, una notevole maestria nello scrivere le canzoni. Infatti quello che sorprende maggiormente nel disco di Mary è la maturità delle composizioni, l’asciuttezza degli arrangiamenti e l’inventiva nelle soluzioni melodiche. In poche parole Drag Queens in Limousines è un grande disco, uno di quelli che lasciano a bocca aperta e che si ascoltano e si riascoltano all’infinito. A prescindere dal fatto che si tratta di un disco autogestito, quindi autoprodotto, l’album ha una fattura decisamente professionale ed un suono nitido, brilla come un diamante per il suo contenuto ad alto livello, ed è stato decisamente convincente perché ha portato l’autrice ad essere invitata nei maggiori festival statunitensi : Kerrville, Newport, Strawberry, solo per citarne alcuni. Mary sta già da tempo lavorando al suo terzo disco, ma intanto gustiamoci Drag Queens e vediamo di approfondire il contenuto. L’album mischia in modo sapiente folk contemporaneo e sapori country, speziandoli con elementi di blues e cajun : le liriche, nella più classica tradizione della scrittura americana di con, parlano di losers, giocatori, avventurieri, loschi individui, delusi, emarginati, amanti senza futuro. Potrebbe scrivere romanzi, spesso le sue liriche sono cariche di immagini che la musica riesce poi a focalizzare alla perfezione, ma Mary ha scelto definitivamente di girare gli Usa con la sua chitarra e la sua voce roca e intensa e di fare sentire alla gente le sue ballate, la sua graffiante ironia (il paragone con John Prine, a livello testuale, calza a pennello), la sua musica fresca e reattiva. Aiutano la Gauthier nella sua seconda avventura discografica musicisti dell’area di Boston, alcuni nostre vecchie conoscenze, come John Lincoln Wright, Matt Leavenworth, Jimmy Ryan (Blood Oranges), Catie Curtis, Caroline Aiken, Richard Bowden. Sono del Sud ama raccontare la Gauthier “e questo è il modo in cui ho imparato ad ascoltare la musica : sono cresciuta con le stazioni AM e si ascoltava solo country –Hank Williams Sr, Johnny Casyh, Merle Haggard, Patsy Cline, Johnny Horton- ma i miei familiari rinnegavano questa musica, pensavano che questa gente avesse bisogno di essere educata. Loro ascoltavano cose più classiche, Neil Diamone, musica da film, show tunes degli spettacoli di Broadway e li mandavo fuori di testa quando accendevo la radio ed ascoltavo musica. Mi è sempre piaciuto anche il country fuori dalle regole, quello di John Prine per intenderci, anche se non veniva suonato per radio. Dal country alternativo ho preso le regole di vita che in seguito ho fatto mie. Ho capito che avrei incontrato gente che avrebbe gradito quello che facevo o che non lo avrebbe ed ho deciso di presentarmi ogni sera dicendo questa frase : Queste sono le mie canzoni, se non vi piacciono andatevene”. Tosta la nostra cantautrice! Drag Queens in Limousines inizia con il passo di un valzer pigro del Sud : grandi liriche, elettrica e cadenzata, cantata da una voce forte e presente, la ballata è il miglior biglietto da visita. Una voce e la sua chitarra e l’atmosfera è subito catturata, poi entra la band, ed il suono si fa pieno e carico di rumori. Our Lady of the Shooting Stars è una composizione raffinata dal tessuto elettroacustico e dalla vena triste, interiore e notturna. Karla Faye è una country ballad che ha il ritmo di un valzer e che racconta una storia amara e volutamente marginale : ma Mary ha il tocco magico , sa dosare le note, parola dopo parola, e lascia andare la sua voce su un motivo dal ritmo pigro. Di I Drink abbiamo già descritto parzialmente il testo : canzone splendida, lenta, magica e coinvolgente. Anche Evangeline contribuisce a mantenere alto il livello : composizione dalla struttura semplice, ha uno sviluppo intrigante ed un ritornello decisamente memorizzabile. Si tratta di una perfetta country song che anche un grande come Hank non avrebbe certo disdegnato di interpretare : l’entrata dell’organo, prima, e del resto del gruppo, poi, sono di grande impatto. In Lucky Stars gli stumenti sono dosati in modo leggero e lasciano emergere la melodia con raffinata leggerezza. Il disco si avvia alla fine, ma le sorprese non sono finite : malinconica e con il sapore delle cose di un tempo Different Kinds of Gone, leggera come una piuma Slip of the Tongue, rurale e ruspante Lifetime, in cui ci sono accenni cajun, per arrivare al gran finale di Jackie’s Train, ritmata ed accessibile, spolverata di country e meno amara di quelle che la hanno preceduta. Il suo treno si avvia nelle paludi della Lousiana e fa rotta verso il Nord. Paolo Carù Buscadero
BOB
GELDOF sex, age & death. Pop star, poet, open-plan
politician, living saint, devil’s advocate, freelance genius,
natural irritant, ubiquitous celebrity, media mogul, big-mouthed
gobshite. Who the hell does Bob Geldof think he is? "In my
head," says Bob Geldof, who spends a great deal of his time in
there, "music is what I do. I’m sure millions of people
will be surprised by that. In fact, certain generations will probably
be shocked that I make music at all. But music is central to who I
am. I physically need to do it." Listening to Sex, Age &
Death, Geldof’s first album for five long years, you can sense
this imperative at work in every track. Rarely has a record detailed
such a complexity of emotion or attempted to deal with subject matter
this difficult. But don’t worry, there are some cracking tunes
in there too. So much of Bob Geldof’s life is a matter of
public record. Dublin, punk rock, The Boomtown Rats, Paula, I Don’t
Like Mondays, Africa, Do They Know It’s Christmas?, Live Aid,
the profanity, the pride, squaring up to Thatcher, schmoozing Mother
Teresa, the knighthood, the sainthood, Is That It?, the curious
facial hair, the mad Paddy solo albums, the dot.com millionaire, the
loyal friend, the curiously compulsive radio presenter, the
heartbroken husband we can all measure our lives in terms of Geldof’s
extraordinary experiences. As Geldof readily acknowledges, if his
life story had been written as a Jacobean tragedy or an Italian opera
it would have been rejected by the commissioning editors on the
grounds that it was too unbelievable. Even the plot development
department at Eastenders would have a problem with some of the more
unimaginable twists. "Why such extremes?" Geldof wonders
aloud, pacing the floor of his Battersea apartment where the majority
of Sex, Age & Death was conceived. “Plenty of guys join
bands but they don’t have Number One records. Plenty of guys do
a charity gig but the whole world doesn’t watch it and then
they don’t get knighted and put up for the Nobel Peace Prize.
Plenty of guys always have a bit of wedge in their pocket but I've
always been either hopelessly broke or stupidly rich." While
life has undoubtedly been kind to Geldof, it has also been
unfathomably cruel. The last five, heavily documented, years have
seen him confront more than most mortals could honestly cope with.
Throughout this time, he wrote Sex, Age & Death, as a confession,
as a release and simply, as the man says, because this is what he
does. "I can only ever write about that which happens to me or
my response to situations," says Geldof. "So this is the
latest instalment of the diary." Although he remains notoriously
reluctant to discuss the tragic three-way relationship between
himself, his wife Paul Yates and her boyfriend Michael Hutchence, the
ordeal now long over - casts a sad shadow over Sex, Age & Death.
It is, perhaps, inevitable that the media will seize upon the two
songs that plainly address that terrible time: the bruised and
embarrassed opener One For Me and the pained, punishing penultimate
number What The Fuck. "That song is clearly about what it is,"
says Geldof, quoting the lyric. "You got the gold, I got the
lead/You got the juice, you left me the dregs/ You got the palace, I
got the shed/You got a life, you left me for dead/ What the fucks
going on inside your head? Its about Paula and, to an extent Michael
Why put a noose around your neck?/What the fucks going on inside your
head? It is self-evident. Its how I felt. It might sound nasty but
you must remember it was actually written a long time before either
of them died. "I don’t discuss these things because I
literally can’t," he continues uncomfortably. "I
can’t show you my soul. Some things are unsayable. But maybe I
can articulate the unspeakable in music." Then, for a moment,
the old Geldof humour flares up, ever prepared to mix comedy and
tragedy. "So I have gone and made an unspeakable album!"
He’s joking, of course. Sex, Age & Death is a brooding
voodoo stew of sound. Rhythms rumble and skitter, melodies shimmer
like heat above tarmac, voices arrive unannounced inside your head,
sly curlicues of slide guitar slip from the speakers, the darkness
hums, drunk choirs chorus, crickets call, smoke signals rise and at
one point, you’ll swear, a kettle boils. Like all the great and
groundbreaking albums Sex, Age & Death is both timeless and
placeless, existing in its own space between then and now, here and
there. This is restless mood music for those nights when the glass is
neither half-full nor half-empty. Listen closely and you’ll
hear echoes of John Lennon, Leonard Cohen, Chet Baker, RL Burnside,
The Clash and early Peter Gabriel. You’ll recall Pink Floyd at
their most acidic and Happy Mondays when the E ran out. "Musically,
it couldn’t have sounded anything but exhausted and weary
because that’s the place I was in," Geldof explains. "I
remember saying to Pete (Briquette, the albums co-producer) the whole
thing sounds like someone on their own late at night when strange
sounds drift in and out of your head and semi-formed thoughts flicker
through your mind. I wanted to get to that point between sub- and
fore-conscious. That sleeping/waking state." And how would
Geldof recommend the album is best enjoyed? "With a certain
amount of sympathy," he deadpans. "It’s very sparse
and stripped down so it’s probably not a
Saturday-night-going-out album. Id say stick it on at two in the
morning and revel in my world of unrelenting misery." And the
title? "Its just that time," Geldof shrugs. "This
is an album made by a person at a certain juncture in their life.
There’s no way around that. Can a 17-year old relate to that?
Maybe but probably not. Its not going to be out there competing with
Westlife but that’s not why I made it." Welcome to
Geldof’s Sex, Age & Death, a lifetime and five years in the
making. Ten songs about the stuff we prefer to leave unsaid. It will
take you to places you’ve never been and if you’re not
careful it will leave you there. Sex, Age & Death: its not
Westlife but, come on, this is Bob Fucking Geldof, did you really
think it was going to be? Adrian Deevoy, Summer, 2001
STEVE HACKETT raggiunse i Genesis agli inizi degli anni settanta in sostituzione del dimissionario Anthony Phillips. Insieme a questo storico gruppo la chitarra di Steve si esprimerà in maniera inconfondibile ed innovativa conducendo la musica progressiva, così in voga in quel periodo, verso nuove ed inesplorate direzioni. Nelle foto dell’epoca il chitarrista ci appare schivo ed introverso, con una barba folta e pesanti occhiali da vista, eppure fin dal primo ascolto di Nursery Crime (1971) si sente chiaramente che c’è un elemento nuovo che si muove fra le complesse composizioni barocche del disco. Una chitarra che da sola è in grado di riempire gli spazi lasciati in sospeso dagli altri strumenti, con arpeggi esternamente complessi e ben equilibrati. In "Selling England By The Pound (1973)" l’espressività musicale di Steve cresce a dismisura, assoli indimenticabili, brani che hanno sancito un epoca insieme alle opere di altri gruppi del calibro degli Yes e dei King Grimson. Con questo disco immortale la fama dei Genesis divenne planetaria, indiscussa, imitata da tutti i gruppi emergenti. I dischi dei primi Genesis possono apparire pretenziosi e fortemente influenzati dalla musica classica, in effetti in "Foxtrot (1972)" ascoltiamo un’intera facciata del disco dedicato all’Apocalisse, un tentativo ben riuscito di conciliare la musica rock con le Sacre Scritture. Il loro slancio creativo durerà fino al 1975, anno in cui Peter Gabriel termina l’opera rock "The Lamb Lies Down On Brodway" e dopo la quale deciderà di proseguire la sua carriera solista. Steve resterà con i Genesis ancora per un paio di anni, ma innegabilmente qualcosa all’interno del gruppo era già cambiato, probabilmente i gusti musicali degli stessi componenti del complesso, stanchi delle lunghe suite e del modo di comporre melodie troppo raffinate. I tempi stavano mutando, ed il movimento Punk avrebbe presto scacciato dall’etere quel modo di fare musica, riportando il rock a forme più semplicistiche, aggressive e spesso esasperate. Dopo "Wind and Wuthering (1976)" Steve abbandona definitivamente la band, alla ricerca di qualcosa che gli era stata spesso negata: la libertà di esprimere la sua sensibilità musicale al di fuori dei rigidi cliché dei Genesis. Il Chitarrista In Steve Hackett coesistono due personalità musicali ben distinte. La prima concede ampio spazio alla musica classica. Con dolci composizioni dal sapore New Age la sua chitarra acustica prende per mano l’ascoltatore conducendolo verso melodie eteree dalla bellezza seducente. La seconda è la vena rock, con brani duri e dal ritmo travolgente. Il loro ascolto non è semplice e richiede una notevole predisposizione mentale, malgrado questa premessa iniziale Steve ci ha regalato delle combinazioni strane, certamente sperimentali, le quali hanno contribuito ad espandere il suo modo di concepire la musica moderna. Dal punto di vista tecnico, Steve è sicuramente un virtuoso della chitarra. Con la chitarra classica ha composto intere opere accompagnato dalle più prestigiose orchestre mondiali, realizzando veri gioielli musicali apprezzati dalla critica e dagli ascoltatori. Con la chitarra elettrica il discorso è lievemente diverso, vengono prediletti i suoni lunghi, sostenuti dal suono dell’eco e del riverbero che rendono il suo tocco inconfondibile fra migliaia di chitarristi anonimi. Quando invece il brano lo richiede Steve inserisce un semplice distorsore e parte ad una velocità tale da fare impallidire un bolide da Formula Uno. Ovviamente i dischi che nascono con questo approccio compositivo non si possono definire commerciali, nel senso che difficilmente troveremo una sua Hit fra le classifiche delle Top Charts, eppure nel corso degli anni sono notevolmente aumentati gli estimatori di questo genere di musica: sempre in bilico fra follia e perfezione, fra melodia e cacofonia, fra felicità e disperazione. Genesis Il primo nucleo dei Genesis vide la luce nel 1967 dalla fusione di due band del collegio della Charterhouse: gli Anon di Anthony Phillips e Michael Rutherford, e The Garden Wall di Peter Gabriel e Tony Banks. Jonathan King rimase folgorato dalla creatività della band e procurò una registrazione presso la Decca e la successiva pubblicazione del primo Lp "From genesis to revelation". Il disco, improvvisato ed ancora acerbo, non ebbe il successo atteso, ma i Genesis non si dettero per vinti e nel 1969 si ritirarono in una fattoria nel Surrey per comporre nuove canzoni. Fu durante uno dei tanti concerti per poche sterline che Tony Stratton-Smith, un impresario della Charisma Records, li notò e gli fece firmare un contratto vantaggioso. Ne seguì un Lp, "Trespass" più maturo e curato del precedente anche se le vendite non migliorarono, furono invece le riviste specializzate ad accorgersi del gruppo e soprattutto delle potenzialità del cantante. Nel frattempo ci furono alcune sostituzioni fra i membri della band, venne ingaggiato Phil Collins alla batteria, mentre Anthony Phillips lasciò per motivi personali e di salute. Nel 1970, grazie ad un annuncio sul Melody Maker, li raggiunse infine Steve Hackett alla chitarra. A seguito di un incidente Peter Gabriel ebbe finalmente il tempo per comporre, e nel novembre 1971 uscì "Nursery Crime". Nei concerti successivi questo menestrello d'altri tempi diede prova di essere un ottimo front man, inventando nuovi personaggi da portare in scena: il fiore, la volpe, il vecchio, la Britannia. La stampa li osannò come gruppo rivelazione, mentre il pubblico acclamava le lunghe suite che i Genesis eseguivano con crescente professionalità. Nel 1972 fu la volta di "Foxtrot", un lavoro ambizioso: la rappresentazione dell'Apocalisse in chiave Rock. Il lato B del disco inizia con l'acustica Horizon, per poi dare via alla suite di venti minuti intitolata Supper's Ready. Nel 1973 venne pubblicato un disco dal vivo e successivamente quello che viene ancora oggi considerato il capolavoro della band: "Selling England by the pound". Nulla venne lasciato al caso in questo splendido Lp: la voce ed il flauto di Peter Gabriel, la chitarra di Steve Hackett, la maestria al piano di Tony Banks, la batteria ed il backing vocals di Phil Collins, l'estro esecutivo del bassista Mike Rutherford. Nella descrizione dell'Inghilterra elisabettiana spiccano i brani: "Firth of Fifth" con il piano che introduce in crescendo la melodia principale, "Dancing with the moonlight knight", "After the ordeal", "The cinema show". Per comprendere cosa rappresentò in Italia quest'opera, basti pensare che per la prima volta nelle buste interne di un disco straniero vennero tradotti i testi anche nella nostra lingua. L'anno successivo, all'apice del successo uscì "The lamb lies Down on Brodway", doppio disco interamente concepito da Gabriel nel quale il protagonista, un portoricano di nome Rael, insegue una fantomatica figura provando delle esperienze al limite dell'onirico. Abbandonate le lunghe suite barocche, vediamo il complesso impegnato in esecuzioni orientate verso un rock sofisticato e talvolta sperimentale. Terminate le registrazioni ed i concerti per la promozione Garbiel decise di lasciare il gruppo per intraprendere la carriera solista. I Genesis cercarono per settimane un cantante che potesse sostituirlo. Phil Collins scoprì di avere una tonalità simile a quella del cantante e decise di esibirsi nel nuovo disco ormai in fase di registrazione. "A trick of the tail" balzò nelle vette delle classifiche internazionali confermando che i Genesis potevano continuare a scrivere la loro musica senza l'apporto di Gabriel. Mantenendo fede al genere musicale che li rese famosi, alcune canzoni entreranno di diritto fra i classici: "Dance on a Volcano", "Ripples", "Squonk" e la strumentale "Los endos". Nel 1976 vide la luce "Wind and Wuthering", disco autunnale come il titolo e la copertina, ed in seguito un doppio disco live "Seconds out" I Genesis tentarono di dare seguito al fortunato "A trick of the tail", ed in parte ci riuscirono: "One for the vine", "Blood on the rooftops" e la melodica "Your own special way" erano ottimi esempi di classe e buon gusto. Ma qualcosa stava cambiando nel nucleo del gruppo: i gusti musicali e la voglia di Steve di esprimere con maggiore libertà la propria musica. Alla fine delle registrazioni, nel 1977, Steve Hackett lasciò definitivamente i Genesis. Termina, con quest'ultima defezione un'epoca storica per il rock. Nel lavori successivi i Genesis, rimasti soli in tre, percorreranno strade decisamente più commerciali fino a divenire il gioco personale di Phil Collins. LINE UP: Steve Hackett - chitarra - voce, John Hackett - sax - flauto, Roger King - tastiere.
NEIL HALSTEAD BIOGRAPHY Time Out lo ha definito “uno dei migliori cantautori Britannici” NME ha scritto “un genere di canzoni d’amore oneste e toccanti che musicisti del giorno d’oggi sono troppo spaventati o troppo “giusti” per scrivere” i tre album che ha fatto con i Slowdive e Mojave3 sono stati universalmente riconosciuti come “sublimi” Sleeping on Roads è il suo album di debutto come solista: cantante scrittore e chitarrista . Dice Haltead “non c’era un piano preciso è successo che dopo aver finito la storia con la mia ragazza mi sono ritrovato senza un posto dove dormire e così ho vissuto per due mesi in studio ed è stato allora che ho registrato delle canzoni senza il mio gruppo. Non erano esattamente nello stile dei Mojave3 e così ho pensato di inserirle in un altro progetto. Con questo disco ho cercato di seguire una linea del suono più che della struttura classica della canzone “Sleeping On Roads ......."Everyone says it's sort of like a road album - maybe the way it works rhythmically. It's kind of weird because I have been moving around a lot...." Time Out has called Neil Halstead "one of Britain's greatest songwriters"; NME said he wrote "the kind of honest, heartfelt love songs men are too scared or too cool to write these days". The six albums he has made - three apiece with Slowdive and Mojave 3 - have been universally hailed as "sublime". Two years in the making, Sleeping On Roads is the singer-writer-guitar player's debut solo record. "There was", admits Halstead "no real plan. What happened was I split up with my girlfriend and ended up homeless and having to sleep in the studio for about two months. And while I was there I recorded some tracks without the rest of the band. They didn't get used on the last Mojave record, so I started to think about putting them out on a separate record." After such lovelorn beginnings, Sleeping On Roads became a far sunnier affair as Halstead snatched time off to go back into the studio with friends "whenever the opportunity came up", finally completing the album earlier this summer in Airfield Studios, down the road from his home in Cornwall. "It was fun to work with friends" - including Ian McCutcheon from Mojave 3 and Nick Holton of Coley Park - "and nice to be outside the confines of working in a band and not have to worry about that dynamic. Mojave 3 is a democracy, it doesn't matter who writes the song, the way it sounds is down to the five or six people playing it - that's fine, but this time I could just say 'This is how it's going to be'." Sleeping On Roads retains Halstead's trademark mix of exquisite, quasi-folk melodies and fragile, intimate vocals - he's one of the very few singer-writers who actually deserves the Nick Drake comparisons - but this time they're intricately wedded to gently swaying rhythms and an atmospheric groove. "With this record in many ways I was trying to get away from song structures a little bit in terms of it being just verses and choruses. I was more interested in the way the record *sounded*." " With Mojave, we sit in a room and play the songs, we don't spend a lot of time thinking 'What can we do production-wise to make this sound really different?' I wanted to take the songs and make them into something a little more rhythmic. I liked the idea of doing something like Bert Jansch - sort of folk songs. but recording them in a more Spiritualised sort of way." The result - despite the banjo on the title track! - is less Americana, more English - partly down to the fact that here Halstead is playing "a stark, finger-pick guitar style", whereas in Mojave 3 he "just strummed." Halstead is currently working on the fourth Mojave 3 record - the band is still ongoing , and in the process of converting a building in a Cornish field "that stinks of cow shit" into a new recording studio - but already has plans for a second solo album. "Because I've always been in bands - I was 17 when Slowdive signed to Creation, and then we did four albums and I went straight onto Mojave 3 - it's been really good doing something on my own", says the man NME once called "Britain's best kept secret." ."I want to do it again." A brief introduction to Sleeping On Roads Seasons - "Although it probably doesn't sound like it, it's a song about surfing - inspired by this old surfing movie I saw. I love surfing. I surf all the time in Cornwall, where I've lived on and off for eight years." Two Stones In My Pocket - "It was about a friend of mine struggling with a certain aspect of her life. No, that's not a woman on backing vocals, it's me! It took me quite a long time to do that. I think instrumentally this song worked out pretty fine." Driving With Bert - "That song was kind of inspired by Bert Jansch. I wrote it about three or four years ago when I was listening to a lot of Bert - he was the soundtrack to my life for a little while" Hi Lo & Inbetween - "I came up with that song after I read a newspaper story about this guy in America who got a load of weather balloons and tied them to his deck chair and got a six-pack of beer and a shotgun. The idea was to let himself float up really slowly and when he wanted to come down he'd shoot the balloons and make a descent, but he shot up so quickly and to such an outrageous height he was too scared to shoot the gun - he actually got spotted by the pilot of a Boeing 747. I don't know how they got him down, but I think he had an admirable plan." See You On Rooftops - "That's a love song, about a long-distance relationship." Martha's Mantra (For The Pain) - "You meet a lot of interesting people on tour, and Martha is an amalgam of a few different people. I think the song maybe about confusing God with sex - your own given right to let yourself down." Sleeping On Roads - "A friend of mine, Nick Holton - who basically produced the record - is in a band called Coley Park from Reading, they're a great band and they lent me the title. It's got a bit of banjo on it - nothing wrong with a bit of banjo! One of my friends had just started learning and he was around at the time." I Dream I Saw Soldiers - "I wrote all the lyrics for this without the music. The music ended up being based on a Damien Jurado song called 'Ohio. I'd been playing 'Ohio' live for a while and sneaking it into a Richard Thompson song. In the end it sneaked into one of mine. I sent him an email though and he was very nice about it." High Hopes - "There's a great Oasis lyric that goes "don't put your life in the hands of a Rock n' Roll band " - this is the folk version." Sylvie Simmons 2001
PROCOL HARUM is a world-class rock band of unique vitality and finesse, a national treasure of which the UK may be justly proud. Everyone remembers Procol's first single – eleven million of us own it ! – which seemed to encapsulate all the glories of 1967's "Summer of Love"; but fewer recall that the group who created A Whiter Shade of Pale convened in freezing North London church halls, and made their impact upon a primitive world that was yet to hear Sergeant Pepper. Procol Harum have always been ground-breakers, releasing eleven seminal albums – essential listening now on CD – that include the acknowledged inspirations for rock landmarks such as Tommy and Bohemian Rhapsody. The UK media, puzzled by a group that didn't jump about on stage or sing about lurrve, limited their interest to Procol's unfathomable name (did it derive from Latin, or a Burmese cat's birth-certificate?) and their sparsity of chart singles (though other influential underground acts, the Floyds and Zeppelins, got away with far fewer!). Yet these were trivial issues beside the completely individual music that was spilling out of the group's central partnership … Singer / pianist / composer Gary Brooker [born 1945] but was born in London but grew up in Southend-on-Sea in Essex.. He paid his dues handsomely in R&B outfit The Paramounts, once described as the Rolling Stones' favourite band but only achieved moderate char success. Having shared a stage with the Beatles at age 20, he was 'ready to retire' when he began writing with Keith Reid, an ambitious wordsmith whose lyrical vision grafted the verve and scathing humour of Bob Dylan on to a body of weighty European influences. Early Procol albums saw these eclectic, innovative songs presented by an amalgam of extraordinarily gifted players: Croydon’s famous organist, Matthew Fisher [1946], a fellow-composer of exquisite sensibility; guitar-hero Robin Trower, later to attract his own cult; and percussionist BJ Wilson who even now, after his death, tops polls for the unparalleled drama and imagination of his drumming. 'Our heart is in the blues, or in the lungs of some giant organ,' said Brooker … but there was vaudeville, country, calypso and Baroque in the band's music too: in fact it's hard to think of a style that didn't undergo the Procol 'sea-change into something rich and strange'. Record after record, fuelled by judicious conflicts – intellect with instinct, melody with muscle, grandeur with grotesque, precision with passion – burst on our ears like a Genie raving inside a cool, classical urn. Fearless innovators, Procol Harum began playing Brooker's own, self-taught arrangements live with orchestras as early as 1969 (Deep Purple's Concerto for Group and Orchestra didn't hit the Albert Hall until the following year). The soulful voice and tempestuous guitar, sweeping through the majestic architecture of a symphonic setting, proved irresistibly moving, and a live recording made Procol Harum Live with the Edmonton Symphony Orchestra and choir was Procol's largest-selling album of the early seventies. This was followed by a London showcase with the Royal Philharmonic; orchestral / choral concerts followed in Switzerland, Germany and Austria, and at LA's Hollywood Bowl. Alongside these extravaganzas the band also averaged about a hundred regular rock gigs a year, right through to their dissolution in 1977. Yet the fact that they habitually sold-out the big venues across Europe and America (not to mention their quirky forays into Poland, their Presidential invitations to Mexico, and their command performance of The Blue Danube for Strauss HQ in Vienna) still comes as news to many otherwise-enlightened music fans. Though the 1980s saw no official Harum activity, their orchestral oeuvre remained in demand, as Gary Brooker frequently accepted invitations to perform Procol music, alongside his growing solo-album repertoire, on 'Rock meets Classic' tours in Europe and Japan. He has also toured with Eric Clapton's band, scored a ballet at the request of the Royal Theatre of Copenhagen, and a commissioned work for huge brass ensemble in Switzerland; with chamber strings and choir he recorded a Gary Brooker Ensemble CD, and he still runs 'No Stiletto Shoes', an all-star band of R&B hooligans who have raised £50,000 for Surrey charities. Procol Harum's star rose again in the 1990s; the group brought out a new album, recorded with fine blues guitarist Geoff Whitehorn and percussionist Mark Brzezicki [1957], and toured the USA and Europe promoting it. 1992 saw another orchestral / choral encounter in Canada: as always, the programme drew on the entire Procol repertoire … music that was not written at fashion's dictates will never sound dated! A fabulous concert with the London Symphony Orchestra, promoting a 1995 CD of the group's classic songs, elicited the longest ovation in the Barbican Theatre's history: featuring tonight's bassist, Matt Pegg [1971], it is still the most-requested item in their entire recorded archive. A full-length Harum biography, Beyond the Pale, was recently published, and one of the web's most authoritative dedicated music sites – the 3,000-page www.procolharum.com – presents full details of all records and projects touched on in this article. Following a joyous Thirtieth Birthday Party at Redhill in July 1997, when nine quondam band-members entranced fans from every nation, Procol Harum no longer seems like a fixed group so much as a pool of adepts, on whom Gary Brooker – the band's 35-year constant – can draw for particular recitals, just as the leader of any Contemporary Music ensemble would do. Though Brooker has spent recent years touring the world with Ringo's All-Starr Band, the British Rock Symphony, and Bill Wyman's Rhythm Kings, Gary Brooker has now returned to the unique music of Procol Harum. 2001 saw the band touring in Scandinavia and Eastern Europe including Russia, performing for 2 nights at The Kremlin Palace, as well as working with the Hallé Orchestra and Hallé Choir at a unique concert at The Bridgewater Hall in Manchester. 2002 marks the 35th year in Procol Harum’s history.
SANDRA
Sandra Lauer è nata in Germania il 18 maggio 1962. Nel 1976
vince un concorso radiofonico e incide il primo singolo "Andy
Mein Freund", ma non desta grande interesse. A soli 16 anni
entra a far parte di una pop band femminile chiamata Arabesque.
L'interesse dell'Europa per le Arabesque è pressoché
inesistente, ma in Giappone ottengono un impressionante riscontro
riuscendo a vendere sei milioni di copie di dischi! Il sodalizio
artistico s'interrompe nel 1983 quando Sandra incontra il suo
compagno: il musicista di origini rumene Michael Cretu. Nel 1985 la
prima grande esperienza di Sandra come cantante solista. Il singolo
"Maria Magdalena" conquista l'Europa vendendo oltre 4
milioni di copie. In Italia l'artista domina la classifica dei
singoli per tre anni di seguito con altri grandi successi: "In
The Heat Of The Night", "Little Girl", "Innocent
Love", "Hi! Hi! Hi", "Midnight Man",
"Everlasting Love", "Secret Land". 1990, fine
anno: un fantomatico progetto chiamato "Enigma" irrompe
nelle charts di tutto il mondo con il singolo "Sadeness",
una combinazione di flauti, sospiri, vocali sensuali pronunciate da
una affascinante voce femminile e canti gregoriani! Il brano funziona
bene anche nelle discoteche. Qualche mese più tardi il mistero
è presto svelato: il produttore Michael Cretu ha dato vita al
progetto con la voce di Sandra ovviamente coinvolta. Enigma dal 1990
ad oggi ha venduto milioni di dischi in tutto il mondo e tutti gli
album fino ad ora realizzati hanno raggiunto la TOP 20 italiana.
Negli Anni 90 la popolarità dell'artista in Italia è
venuta meno, in parte hanno influito le scelte artistiche del
produttore e della stessa cantante. Far dimenticare le canzoncine
Anni '80 dal facile ritornello e proporre una musica nuova fatta di
ricerca sonora e sperimentazione vocale non è un'impresa
facile. Dal 1995 al 2001 Sandra si concede una pausa artistica
occupandosi dei suoi figli, due gemelli nati dall'unione con Michael.
Il ritorno sulle scene è tanto atteso dai fans in giro per il
mondo, che per anni hanno intasato le e-mail del management e della
Virgin tedesca chiedendo in coro un nuovo album, nuove canzoni.
Ottobre 2001: il ritorno è ormai "ufficiale" con la
pubblicazione del singolo "Forever". Poco prima dell'estate
2002 il momento della verità con l'album "The Wheel Of
Time" e il suo ingresso trionfale nelle charts tedesche,
piazzandosi direttamente in posizione numero 8. I network italiani
non hanno programmato la canzone "Forever" che Virgin Music
Italy aveva scelto per la promozione, deludendo i numerosi fans che
attendevano un "trionfale" ritorno anche sulle scene
italiane, ricordando inoltre quella trionfale edizione finale del
Festivalbar 1986, dove l'artista si piazzava in terza posizione. Una
nota che non viene citata nell'archivio storico del sito ufficiale
del Festivalbar, ma per fortuna è presente in quello dei fans:
l'archivio del "cuore".
TERENCE
TRENT D’ARBY … a short bio. Singer-songwriter
Terence Trent D’Arby (now known as Sanando) was born in New
York 15-03-1962 But burst onto the music scene from Germany, where he
was stationed with the U.S. Army. In the early 1980s D’Arby
formed the group the German funk group the Touch, who released one
album before braking up. D’Arby then moved to London, where he
recorded a demo tape and landed a deal with CBS. His soulful 1987
debut Introducing the Hardline According to Terence Trent D’Arby
lived up to its tremendous pre-release hype, spawning the N° 1
“Wishing Well” as well as several other Top 10 U.S. and
U.K. singles. (Sign Your name, Dance Little Sister) Critically
acclaimed and favourably compared to Prince’s work, Introducing
went to N°1 and sold double-platinum. D’Arby continued his
policy of both singing and playing most of the instrumentation on his
ambitious 1989 follow-up, Neither Fish Nor Flesh, which contained
experimental styles and weighty subject matter. 1993’s Terence
Trent D’Arby’s Symphony or Damn was followed in 1995 by
Terence Trent D’Arby’s Vibrator, which marked his move to
Sony/WORK SOuLAR RETURN: still unreleased? In 1996 Terence left Sony
and got himself a new deal in 1997 with Javarecords. At the time a
new promising label, as daughter of Capitol Records with running man
producer Glen Ballard. A man with quite a history in the music scene,
so we all expected this would become a fruitful combination.
Combining both their talents, to create the newest cd “The
SOuLAR RETURN of T.T.D”. The creation begun and first supposed
to be release date was around April 1998. LAST TTD Activities Time
moved on and on and in the meanwhile new dates popped up, but still
Terence’s new born wasn’t released. So he and we still
waiting, then gladly some other opportunities come on his path: In
April 1999 the movie “Clubland” came out, wherein Terence
played a small role as A and R manager. He didn’t sing on the
soundtrack, which was released by Java/Capitol. Some rumours started
that Terence would sing with INXS and he did indeed! With opening of
the Olympic Stadium, June 12 1999, Sydney Australia, they performed
together !! What a joy!! After that he was asked to play a role in
the tv-series “Shake, Rattle and Roll”, which was
broadcasted by CBS in November 1999. He plays Jackie Wilson and this
time we can hear him sing “To be loved” which is to enjoy
on the soundtrack. Spring 2000 another event for Terence was to sing
and play the main role (of Jesus) in the musical “Godspell”
with a tour through Australia. This was cancelled though about a day
before Terence would fly to Aussie. (heck I was also busy to make
plans to go there too, darn!) One of the songs, “some birds
blue”, which is also supposed to be on SOuLAR RETURN, appeared
August 2000 on the soundtrack of a movie called “Love beat the
hell outta me” SOuLAR RETURN? Through time Terence also created
more songs: first there would be 16 songs, now there are 27. So might
it be that “twin” I predicted ???? Now it’s August
17th, 2000 and we still are waiting for his SOuLAR RETURN.
More and more we started to loose faith in Java records and we just
got the message from his management Lippman, that they “are
turning the page”. TIME FOR SOME ACTION!
Just before that news I called my fellow-fans to come
together, so we can give our best to help him return indeed!
www.TTDpromotion.com
was born I trust, that whatever happens, our joined fansite and
efforts makes as much noise as needed!!
ROGER WATERS QUESTA VOLTE PROPONE "IL MURETTO" Il Creatore di "THE WALL" è un mito vivente, 35 anni di carriera rock sfolgorante che nel 2002 si ripropone in Europa con una nuova energia, una ricerca del contatto quasi fisico col suo pubblico fin troppo ostentata. L'ultima volta, nel 1987, le cose non andarono bene: la tourneè fu un fiasco finanziario e la critica musicale non fu tenera, schierandosi quasi unanimemente coi suoi ex-colleghi-Pink-Floyd...Nessuno è mai riuscito a mettere in dubbio il GENIO CREATIVO che ha continuato a produrre dischi capolavoro chiamando a sè decine tra i migliori musicisti disponibili, ma la risposta del pubblico restava un'incognita... "HO IMPARATO SULLA MIA PELLE CHE IL MARCHIO CONTA PIU' DEI CONTENUTI, LA GENTE NON E' COSCIENTE DEL MIO CONTRIBUTO ALLA STORIA DEI PINK FLOYD"...I pochi fortunati che hanno potuto seguire il Tour 2002 "IN THE FLESH" hanno finalmente ritrovato il leader del Rock Inglese in splendida forma: fisicamente ricorda vagamente Richard Gere, musicalmente si conferma un gigante piuttosto che un dinosauro e il suo spettacolo totale non può lasciare indifferenti per le scenografie curatissime, le luci e soprattutto il suono: un perfetto sistema quadrifonico che ha inondato Forum ed Hallenstadion di capolavori musicali ed effetti sonori straordinari. Una serie ininterrotta di Tutto Esaurito ha decretato il riscatto di ROGER WATERS sorprendentemente di buon umore, sorridente, simpatico, dotato di un'inaspettata carica teatrale ben calibrata per tutta la durata dello SHOW. Ha praticamente diretto la BLEEDING HEART BAND di 10 elementi di cui si può dire in mille in mille modi non fosse che ricalcano gli amati / odiati PINK FLOYD ... in certi passaggi vorresti che spuntassero fuori con qualche marchingegno in quello che sarebbe s enz'altro la trovata scenica più spettacolare, gradita, azzeccata... "QUEL TEMPO E' ANDATO. NON MI INTERESSA UN BEL TOUR DI RIUNIONE. NO, NON TORNERO' INDIETRO"...La selezione dei brani non è una novità per chiunque abbia ascoltato il Live del Tour Americano pubblicato l'anno scorso, ma il finale è impreziosito da "FLICKERING FLAME" che dona al finale del concerto un piacevole senso di work-in-progress. Pubblico in delirio estatico. Roba da raccontare da nonni ai nipotini. WATERS è comparso con lo pseudonimo H2OS in numerose chat lines dichiarando il suo interesse attuale per le tematiche politiche ed ecologiche: " LA DEMOCRAZIA E' DOMINATA DALLA TV, DAL POTERE DELLE MULTINAZIONALI, DALLA CORSA ALL'INQUINAMENTO. ANDIAMO VERSO UNA DISTRUZIONE INSENSATA. CREDO SIA UN DOVERE, CHE SIA IMPORTANTE FARE QUALCOSA PER PROTEGGERCI. NO AI FAST FOOD IN UN LIBERO MERCATO. DOBBIAMO LOTTARE TUTTI PER ALZARE LA QUALITA' DELLA VITA. SU TUTTA LA TERRA. SONO SEMPRE STATO OSSESSIONATO DALLA GUERRA, DISTRUZIONE, DOLORE. TUTTE TRAGEDIE INUTILI E , SOPRATTUTTO, EVITABILI... PERSONALMENTE SENTO UNA DIFFUSA DISAFFEZIONE PER IL SISTEMA DEMOCRATICO. E' ORA. SVE GLIAMOCI TUTTI " Scaletta del concerto di MILANO: IN THE FLESH / THE HAPPIEST DAYS OF OUR LIVES / ANOTHER BRICK IN THE WALL pt2 / MOTHER / GET YOUR FILTHY HANDS OFF MY DESERT / SOUTHAMPTON DOCK / PIGS ON THE WING pt1 / DOGS / SHINE ON YOU CRAZY DIAMOND / WELCOME TO THE MACHINE / WISH YOU WERE HERE / SHINE ON YOU CRAZY DIAMOND pt2 / SET THE CONTROLS FOR THE HEART OF THE SUN Intermission BREATHE / TIME / MONEY / 5.06 AM (EVERY STRANGERS' EYES) / PERFECT SENSE pt1+2 / THE BRAVERY OF BEING OUT OF RANGE / IT'S A MIRACLE / AMUSED TO DEATH / BRAIN DAMAGE / ECLIPSE / COMFORTABLY NUMB / FLICKERING FLAME. Scaletta del concerto di ZURIGO:IN THE FLESH / THE HAPPIEST DAYS OF OUR LIVES / ANOTHER BRICK IN THE WALL / MOTHER / GET YOUR FILTHY HANDS OFF MY DESERT / SOUTHAMPTON DOCK / PIGS ON THE WING pt1 / DOGS / SHINE ON YOU CRAZY DIAMOND / WELCOME TO THE MACHINE / SHINE ON YOU CRAZY DIAMOND pt2 / SET THE CONTROLS FOR THE HEART OF THE SUN Intermission BREATHE / TIME / MONEY / 5.06 AM (EVERY STRANGERS' EYES) / PERFECT SENSE pt1+2 / THE BRAVERY OF BEING OUT OF RANGE / IT'S A MIRACLE / BRAIN DAMAGE / ECLIPSE / COMFORTABLY NUMB / FLICKERING FLAME / EACH SMALL CANDLE. Fabrizio REPETTO Cell. 333 3416042
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